Cine de Verano en los jardines del Museo Reina Sofia 2024 - Cine de Verano en Madrid

Programa 1- Actrices en construcción

Ya desde el cine clásico de Hollywood, las actrices, su mitología y ascenso al estrellato son el tema habitual del melodrama, un género que determina las dos películas que arrancan el ciclo. Una, Todo sobre mi madre, celebra sus 25 años con igual pujanza y la otra, Secretos de un escándalo, es una de las películas de la temporada. Dos clásicos contemporáneos sobre actrices y mujeres representándose y sobreviviendo.

Sesión 1- Viernes 5 de julio, 2024 – 22:00 h Pedro Almodóvar. Todo sobre mi madre
España, 1999, color, VO en español, 101’
Pedro Almodóvar presentará la proyección de esta película que cumple 25 años En un mundo de hombres, todas las mujeres son actrices, porque deben actuar para cumplir con las obligaciones de su vida cotidiana. Esta fue la idea que impulsó a Almodóvar a escribir la historia de Manuela, una madre soltera que ve morir a su hijo en un atropello trágico justo la noche que él cumple 17 años. A partir de ese momento, ella seguirá el deseo no realizado del chico e irá a buscar al ausente padre de este, cuya existencia siempre había ocultado. Y en su viaje, Manuela se dará cuenta de que el melodrama está en todas partes como también lo está la ambigüedad, que caracteriza a la identidad de género y todos los papeles que interpretamos en la vida. Un homenaje sobrecogedor a Bette Davis, Gena Rowlands, Romy Schneider y a todas las actrices, madres y mujeres que sufren. Y quizá el melodrama contemporáneo definitivo, cuyo 25 aniversario celebra esta proyección.

Sesión 2- Sábado 6 de julio 2024 – 22:00h Todd Haynes. May December (Secretos de un escándalo)
Estados Unidos, 2023, color, VO en inglés con subtítulos en español, 115’
Una joven actriz, Natalie Portman, empieza a frecuentar a una mujer madura, Julianne Moore, visitándola asiduamente a su propia casa. La actriz se prepara para protagonizar una película sobre la vida de la mujer mayor, y todo entraría dentro de lo normal si no fuera porque dicho largometraje contará la relación que esta mujer comenzó, mientras estaba emparejada, con un adolescente, con quien se ha casado y ha tenido hijos. El melodrama resultante se pregunta por la naturaleza de las emociones, que casi nunca se explicitan, así como por la vida de las actrices fuera del trabajo e incluso por lo que supone realmente actuar. Una palabra que quizá se refiere tanto a un oficio como a una acción cotidiana, que las personas realizamos para conseguir objetivos personales de distinta naturaleza. Los temas de este estreno reciente, una de las películas del año, dialogan en sordina con los de Todo sobre mi madre y son filmados por Todd Haynes de manera virtuosa. Programa 2- Hollywood y su reverso Hollywood oscilando entre el sueño y la pesadilla, pensado desde sus calles más icónicas y misteriosas: Sunset Boulevard, que cruza de lo más bohemio a lo más fastuoso (de Silver Lake a Santa Mónica) y Mulholland Drive, que bordea entre sombras las casas de los ricos y famosos. Dos directores en las antípodas, Billy Wilder y David Lynch, con películas que se contienen la una a la otra.

Sesión 3- Viernes 12 de julio, 2024 – 22:00 h Billy Wilder. Sunset Boulevard (El crepúsculo de los dioses)
Estados Unidos, 1950, blanco y negro, VO en inglés con subtítulos en español, 110’
Sunset Boulevard es una calle que ata las zonas más disímiles de la ciudad de Los Ángeles: el centro y el mar. En toda su longitud -casi 40 kilómetros- hay áreas residenciales, clubes nocturnos icónicos, grandes espacios comerciales, mansiones, cines, casas señoriales infinitas. Esa es la calle en la que Billy Wilder decidió situar esta historia de ascenso y caída de dos personajes: un guionista con poca suerte, Joe Gillis (William Holden), y una actriz del Hollywood mudo olvidada, Norma Desmond (Gloria Swanson). La ciudad es una fábrica de pesadillas en esta época, 1950, con su centro en una industria rozagante que se alimenta como un parásito de todo lo que toca. Joe y Norma se encuentran y comienzan una especie de espiral hacia la podredumbre misma. Aparecen en esta película Erich von Stroheim, Cecil B. deMille, Hedda Hopper, Buster Keaton.

Sesión 4- Sábado 13 de julio, 2024 – 22:00 h David Lynch. Mulholland Drive
Estados Unidos, 2001, color, VO en inglés con subtítulos en español, 147’
David Lynch hizo en Mulholland Drive una versión aún más extrema del espejo deformante original de Hollywood, Sunset Boulevard. Para esto, eligió una calle más misteriosa que Sunset, más oscura, más serpenteante, más peligrosa de recorrer con la velocidad que la impunidad da a los coches de los ricos: Mulholland Dr., una calle que parece avanzar en círculos, como la película misma (el hombre que dio su nombre a esta calle es una historia pantanosa en sí misma: William Mulholland, impulsor del acueducto). Comienza con una mujer que escapa a su muerte. Su huida la lleva al centro de Hollywood, donde conoce a una misteriosa aspirante a actriz. Las dos mujeres caen en viñetas cada vez más extrañas, que incluyen pesadillas aterradoras, directores de cine, clubes nocturnos hipnóticos. Mientras más avanza en las oscuridades de esta ciudad de la ilusión y el cartón pintado, más velos caen sobre el tiempo y el espacio, que terminan volviéndose indescriptibles. Programa 3- Tantos Cinemas Paradisos Dos manifiestos contra un olvido que avanza sin detenerse, el que se yergue contra la memoria que guarda el cine de un país. Colombia y el Líbano han perdido una buena parte de la historia de su cine. Estas dos películas deciden reunir los retazos para imaginar con ellos ese vínculo entre lo que queda y lo que falta. Dos vibrantes celebraciones de otras cinematografías.

Sesión 5- Viernes 19 de julio, 2024 – 22:00h Jocelyn Saab. Il était une fois Beyrouth (Érase una vez en Beirut)
Líbano, Francia, Alemania, Argentina, 1995, color, VO en árabe, inglés y francés con subtítulos en español, 104'.
Agradecimientos a la Association Jocelyn Saab Dos jóvenes amigas, Yasmine y Leila, deciden visitar a un viejo cinéfilo, el Sr. Farouk, que vive en un lugar secreto, rodeado de objetos. Llegan a él con los ojos vendados y no es un secuestro sino un resguardo de los ojos para lo que están a punto de ver. El Sr. Farouk tiene tesoros: películas y otros pedazos de la historia del cine: carteles, fotografías, proyectores, butacas, guiones. El Sr. Farouk decide mostrarles la historia de la lucha de su ciudad, Beirut, a través del cine. Les muestra películas del principio del siglo XX: documentales, ficciones tempranas, musicales, melodramas, reportajes de guerra. Rápidamente, las dos amigas se meten en estas películas, y empiezan a recorrerlas por dentro, produciendo entre los tres una especie de montaje. En él, la historia de la ciudad se hace palpable, no sólo para entender esos momentos de su complejo pasado que han quedado registrados, sino también para proyectar en el futuro el deseo de una ciudad posible.

Sesión 6- Sábado 20 de julio, 2024 – 22:00 h Luis Ospina y Jerónimo Atehortúa. Mudos Testigos
Colombia, 2023, color, VO en español con subtítulos en inglés, 78’
Con la presentación en vídeo de Jerónimo Atehortúa Pocos retazos sobreviven de los principios de la historia del cine colombiano. Con fragmentos de las películas del período mudo, Jerónimo Atehortúa y Luis Ospina ensamblan un melodrama en tres actos. Un ejercicio de montaje que acompaña la forma de esas películas (sobre todo los intertítulos -la película no tiene palabras habladas-) para pensar en la primera mitad del siglo XX en Colombia, y la construcción desigual que el cine hizo de estas primeras décadas registradas en movimiento. Poco a poco, la película se va metiendo en la historia de lo que falta: ¿qué hay detrás del melodrama de un chico pobre que ama a la chica que tiene que casarse con el hombre rico? La película se adentra en el territorio para pensar la historia de esas clases (de trabajo mal pagado y carne de cañón). Un trabajo que devuelve al cine un pasado casi perdido.

Programa 4- La vida del artista I

El cine constituye para muchos directores una fuente de placer. Pero, como cualquier placer, genera fijaciones peligrosas. Iván Zulueta nos habló a gritos de este riesgo en la Transición democrática, mientras que Llorenç Llobet-García lo hizo a susurros durante la posguerra española. Este programa presenta dos películas históricas y admirablemente rodadas, cada una a su manera.

Sesión 7- Viernes 26 de julio, 2024 – 22:00 h Llorenç Llobet Gràcia. Vida en sombras
España, 1949, blanco y negro, VO en español, 90´.
Agradecimientos a Filmoteca de Catalunya Llorenç Llobet Gràcía (1911-1976) se dedicó principalmente a filmar películas amateurs, pero pudo poner todo su empeño en rodar un solo largometraje profesional, una versión dramatizada de su propia vida que se creyó perdida hasta los setenta y fue restaurada en 2012. Así, Vida en sombras es excepcional por su lugar particular en la historia del cine español, pero lo es aún más por el relato que propone y su nada amateur puesta en escena. Con un riquísimo lenguaje cinematográfico, retrata la vida de un hombre marcado por el celuloide, que nace a media proyección y que, en cada etapa vital, será llevado a lo mejor y peor por el contacto con las películas: hasta el punto de hacerse director, pero también hasta poner en peligro a seres queridos en plena guerra. El cine es descubierto como un amor ambivalente, que genera dilemas y vampiriza, pero que también produce imágenes memorables.

Sesión 8- Sábado 27 de julio, 2024 – 22:00 h Iván Zulueta. Arrebato
España, 1979, color, VO en español, 95’
Película de culto de la Transición y obra magna de Iván Zulueta, Arrebato habla a la vez sobre un cineasta que consigue canibalizar a otro y sobre el cine en general como un arte vampírico y devorador. Un arte que, cuando obsesiona, es tan adictivo como la droga e incluso capaz de hacer daño. En medio de un bloqueo creativo y una ruptura sentimental, un director de cine recibe un paquete con las filmaciones de un excéntrico conocido. A medida que empieza a ver las imágenes, estas se van transformando en su mayor interés y problema, pues la relación del remitente con el cine es tan enfermiza que conseguirá que el celuloide cobre vida y afecte también al protagonista como afectó al propio Zulueta, que solo rodó otro largometraje. Un filme realizado con la misma cantidad de esplendor creativo, pasión por el cine y estupefacientes en vena.

Programa 5 - Vivir narrando, vivir rodando

Dos películas recientes en las que el hacer y la vida no son separables. Ambas piensan la materia del cine mientras lo fabrican, y retratan así dos crisis. Un rodaje confinado en la pandemia y un duelo profundo con pérdida de fe circulan esta pregunta: ¿puede el cine hacernos mejores?

Sesión 9- Viernes 2 de agosto, 2024 – 22:00 h Maureen Fazandeiro y Miguel Gomes. Diarios de Otsoga
Portugal, 2021, color, VO en portugués con subtítulos en español, 102’
Agosto, de atrás para adelante. Crista, Carlotto y João, dos chicos y una chica, pasan lentamente el verano: hacen fiestas de tres, construyen un hogar para mariposas, se bañan al sol, arman y desarman rutinas en una casa de campo. No es cualquier momento: es el primer verano del COVID, agosto del 2020, y construir rutinas que den una forma luminosa a los lazos entre quienes viven juntos es la tarea. Los tres son en realidad parte de un equipo de rodaje que está confinado estrictamente para poder filmar una película en conjunto, un equipo pequeño, pero diverso en personalidades. Este equipo está acostumbrado a filmar películas jolgoriosas, exteriores, y pensar cómo enfrentar juntos el hacer en medio de la pandemia los llevará a más de una discusión sobre el cine.

Sesión 10- Sábado 3 de agosto, 2024 – 22:00 h María Aparicio. Las cosas indefinidas
Argentina, 2023, color, VO en español, 81’
Con la presentación en vídeo de María Aparicio Eva es montadora y profesora hace mucho tiempo. Trabaja y piensa siempre con sus amigos. Uno de ellos, Juan, muere repentinamente, antes de que terminaran de editar un nuevo corto. El duelo lo embriaga todo: las clases, las jornadas de trabajo de montaje, las conversaciones. Eva y Rami, su asistente, trabajan en la edición de una película sobre la ceguera. La ceguera, dice uno de los entrevistados que ha perdido la vista, es el fondo de pantalla del vacío. Hay algo de ceguera emocional en Eva: está transitando una pérdida de fe en el cine. Es el fondo de pantalla del vacío. En sus materiales de la película —las imágenes de la película dentro de la película, los objetos de la vida de Eva, sus conversaciones y los amigos, interlocutores externos que hacen que los pensamientos se muevan— hay una forma de contradecir a Eva. De devolver, con modestia, la fe en el cine.

Programa 6- Los últimos cines

Hay en este programa dos cines de películas pornográficas: uno en Times Square (Nueva York) en 1983, el otro en Tirso de Molina (Madrid) en 2013. Dos épocas distintas de la circulación de imágenes porno, y del trabajo alrededor de estas imágenes. ¿Las protagonistas? Las trabajadoras de los cines, y algunos de sus clientes. La sala de cine como un escenario de barrios en extinción, junto a sus comunidades, tan imperfectas como bellamente humanas.

Sesión 11- Viernes 9 de agosto, 2024 – 22:00 h Bette Gordon. Variety (La celda de cristal)
Estados Unidos, 1983, color, VO en inglés con subtítulos en español, 97’.
Agradecimientos a Play-Doc, Festival Internacional de Cine de Tui. Con la presentación en vídeo de Bette Gordon Variety es mítica: Bette Gordon y Kathy Acker escriben un thriller en el Lower East Side de Nueva York, vaciado y destruido por décadas de planeamiento urbanos neoliberales (las autopistas de Robert Moses, las alcaldías de Robert Koch, entre otras). Christine, una mujer joven que quiere ser artista, pero no tiene un centavo, busca trabajo. Su amiga Nan (Goldin) le cuenta que un cine porno del centro necesita una vendedora de tickets. Christine se une a esta comunidad como primera cara visible. Es, a la vez, quién puede ver a todos los que entran. Este lugar de guardiana de la puerta comienza a despertar ciertas obsesiones. Aparece entre los clientes un hombre muy rico, Louie. Christine se obsesiona cada vez más con este hombre, a quien ve como una especie de atractivísimo mafioso. Comienza con él un juego de gato y ratón.

Sesión 12- Sábado 10 de agosto, 2024 – 22:00 h Omar A. Razzak. Paradiso
España, 2013, color, VO en español, 70’
Con la presentación de Hola Vecinas – Asociación vecinal de Lavapiés El cine Duque de Alba es el único cine porno que queda en la ciudad de Madrid. Es el año 2013, y las películas pueden verse online, en la privacidad del hogar. El cine tiene pocos clientes, pero fieles. Tiene también pocos empleados, más fieles aún. El público de este cine es una pequeña familia, que pasan juntos hasta los momentos previos a las navidades. Un espacio de afecto, de conversaciones sobre cine (todo tipo de películas), y de comunidad. Pero los días están contados: la taquillera está a punto de jubilarse, y el barrio comienza a vivir la temida gentrificación. Estos son algunos de los últimos meses de este cine. La película registra los vínculos y también los recovecos de este espacio en proceso de desaparición. Programa 7- Actrices en construcción II Un doble programa dedicado a los retratos, reales y ficticios. ¿Qué es una actriz y qué marca deja su cuerpo en la historia? A través de la exploración de dos personalidades, la de la histórica actriz Jane Birkin y la de la ficticia actriz Watermelon Woman (la mujer sandía), estas películas piensan el cine como una construcción de figuras.

Sesión 13- Viernes 16 de agosto, 2024 – 22:00 h Agnès Varda. Jane B. by Agnès V (Jane B por Agnès V.)
Francia, 1988, color, VO en francés con subtítulos en español, 97’
Cuenta la leyenda que Jane Birkin estaba preocupada por la inminencia de su cumpleaños número 40 y Angès Varda, que ya andaba casi por los 60, le dijo que era una edad hermosa. A partir de ahí comenzaron a hacer esta película, que es un recuento de varias partes de la vida de Birkin a través de viñetas, recreaciones, invenciones, recuerdos de momentos clave, Jane y Agnès piensan en la marca que, hasta entonces, había dejado Jane en el mundo (y viceversa). Sus ocurrencias tienen mucha gracia y todavía más velocidad. Hay mucho en lo que pensar: sus trabajos, sus viajes, sus hijos, sus parejas, sus padres, sus lugares (Inglaterra y Francia) todo se mezcla en esta (auto)biografía desconfigurada que se pregunta, desde el principio, ¿qué es un retrato?

Sesión 14-Sábado 17 de agosto, 2024 – 22:00 h Cheryl Dunye. The Watermelon Woman
Estados Unidos, 1996, color, VO en inglés con subtítulos en español, 90’
Con la presentación en vídeo de Rioko Fotabon, escritora y activista antirracista. Una comedia romántica, ficción de archivo (ficticio), auto ficción inventada, y muchas otras cosas. Cheryl (interpretada por la directora, Cheryl Dunye) quiere ser cineasta y trabaja con su amiga y socia en un videoclub. Ambas hacen trabajos de registro de bodas y cumpleaños para ganar experiencia, dinero y equipos para poder, finalmente, dar el paso. Cheryl se pregunta por la presencia de mujeres negras en la historia del cine, y comienza a ver todas las películas en las que haya habido alguna actriz negra involucrada, sobre todo de los años 30 y 40. Así descubre a Fae Richards, la Watermelon Woman, una actriz de la que jamás había escuchado hablar. Mientras entrevista a especialistas, espectadoras y gente de su familia, Cheryl descubre que Fae era lesbiana igual que ella, una parte de la historia aún más oculta que la presencia de las actrices negras en Hollywood clásico. Su investigación se vuelve una película de aventuras de archivo.

Programa 8- La vida del artista II

Los directores a menudo necesitan inspiración como la mayoría de los artistas y, al igual que estos, pueden recurrir a numerosos métodos para obtenerla. Viajar es la solución que encuentran los protagonistas de estos dos títulos, que nos demuestran cómo el cine clásico más estadounidense y el actual más europeo y de autor trabajan, en el fondo, con las mismas ideas.

Sesión 15- Viernes 23 de agosto, 2024 – 22:00 h Mia Hansen- Løve. Bergman Island (La isla de Bergman)
Francia, 2021, color, VO en inglés con subtítulos en español, 112’
Dado que el cine nos transporta a otros lugares y estados mentales, siempre es un viaje y también una isla. Esta es la idea central de La isla de Bergman, una película sobre una pareja de cineastas que se retira a la Isla de Faro, donde vivió y trabajó Ingmar Bergman, para inspirarse y escribir sus próximos largometrajes. La directora Mia Hansen-Løve los filma con ligereza en un homenaje al verano y al lado más amable y vitalista del director sueco, aquel que él mostró en Un verano con Mónica, para afirmar que la creación y la vida están conectadas y tienen sus momentos dulces. Y lo asegura, incluso, si los dos protagonistas se parecen sospechosamente al matrimonio que formó la propia autora con Olivier Assayas, un director fanático de Bergman. El descanso y el arte invitan a perdonar los errores de uno mismo, los de mitos como Bergman y los de todas las exparejas.

Sesión 16- Sábado 24 de agosto, 2024 – 22:00 h Preston Sturges. Sullivan’s Travels (Los viajes de Sullivan)
Estados Unidos, 1941, blanco y negro, VO en inglés con subtítulos en español, 90’
Para un millonario, visitar los trenes y campamentos de los sintecho más desafortunados puede ser una forma de viajar. O, por lo menos, eso cree John L. Sullivan, un director de éxito especializado en comedias, que, con ganas de inspirarse para escribir su primer drama, decide disfrazarse de hombre humilde y salir a la aventura. Como le advierte su mayordomo, estará más hecho para los lujos de Hollywood que para las miserias de la Gran Depresión. Y, en sus peripecias, descubrirá que el viraje que necesita es mental y no físico. A la vez road movie y comedia dramática, Los viajes de Sullivan es una película sobre el poder de la ficción y el autorretrato de un director que quiso defender la comedia incluso tras la demoledora Crisis del 29. Aunque demostrara, como no consigue el protagonista, que podía filmar un clásico sobre el sufrimiento ajeno.

Programa 9- En clave de comedia

El último fin de semana trae dos comedias que miran al cine directamente a la cara, de la mano de dos de las personas más graciosas que han vivido: Buster Keaton y Jerry Lewis. Un proyeccionista, un actor marcado por el tiempo y un don nadie que será moldeado para ser una estrella.

Sesión 17- Viernes 30 de agosto, 2024 – 22:00 h Alan Schneider y Samuel Beckett. Film Buster Keaton. Sherlock Jr (El moderno Sherlock Homes)
Estados Unidos, 1965, blanco y negro, VO sin diálogos, 22’ Estados Unidos, 1924, blanco y negro, VO en inglés con subtítulos en español, 45’
Un doble programa de Buster Keaton a lo largo de 40 años. En Sherlock Jr., un jovencísimo proyeccionista necesita del cine para que le enseñe todo sobre la vida, pero termina teniendo una especie de sobredosis de lecciones y ve cine en todos los rincones de la realidad. Enamorado de una chica que tiene otro pretendiente, comienza a ver todo el asunto como una película de criminales y detectives en la que de él depende develar el misterio y salvar a la joven. Pero Buster es un poco más torpe que su doble de la pantalla, y pasan en la película infinidad de jocosos accidentes. Film es la primera y única película hecha por el Samuel Beckett. El filme piensa en el ojo de la cámara, en la percepción, el tiempo y el cuerpo cuyo gesto ha sido registrado de tantas formas distintas, el de Buster Keaton.

Sesión 18- Sábado 31 de agosto, 2024 – 22:00 h Jerry Lewis. The Patsy (Jerry Calamidad)
Estados Unidos, 1964, color, VO en inglés con subtítulos en español, 101’
Como al principio del ciclo, esta película hace un retrato de Hollywood como una máquina de hacer espectáculos, un ejercicio de cine dentro del cine como un juego de muñecas rusas. Un humorista famoso muere en un accidente de aviación. Las personas que lo rodean, su equipo de escritores, asistentes, managers, administradores y demás temen quedarse sin trabajo y sin dinero. En ese momento entra en la habitación un botones del hotel en el que se reúnen, Stanley Belt (Jerry Lewis), un tipo muy torpe, caótico y extremadamente gracioso a su pesar. Parece evidente que Stanley no tiene ningún talento, pero la maquinaria del espectáculo tiene todas las herramientas para meterlo a la fuerza en los hogares de todo el mundo televisión mediante, e inventarse el cariño que necesita una estrella. Como suele ser con Jerry Lewis: muchísima gracia sacada de un centro angustiado.